Jérome Bigras est de retour. Personne n’osait espérer revoir cet anti-héros banlieusard revenir manipuler les standards de la bande dessinée classique. Et pourtant, c’est un trou heureusement non comblé qui nous vaut ce plaisir. Entrevue avec son créateur, Jean-Paul Eid, pour nous expliquer les tenants et aboutissants de ce projet.

Après le recueil des aventures de Jérome Bigras “Des tondeuses et des hommes”, tu nous reviens avec un nouvel album “le fond du trou”, et des nouvelles aventures pour ce personnage. Pourquoi avoir repris ce héros ?

Pourquoi pas?  J'ai créé Bigras à l'âge de 20 ans et il a évolué en même temps que moi durant les 10 années de collaboration à la Revue Croc.  C'est devenu un ami intime à travers lequel j'aime poursuivre mes petites expériences de scénaristique.

Jérome Bigras était publié dans « crocs » initialement, peux-tu nous dire comment ce héros est venu au monde ?

Croc avait mis sur pied une autre revue du nom de Titanic, un projet ambitieux de magazine uniquement dédié à la BD, alors que Croc contenait 70% de texte et 30% de dessin. J'y ai publié mes premières planches. Hélas, ça a été le dernier numéro et la revue a fermé ses portes le mois suivant. Mais, cette collaboration m'a permis de mettre un pied dans la place, de traverser le corridor et de frapper à la porte de la revue- mère avec quelques planches dont 3 épisodes de Bigras. Ça a plu et, à mon grand étonnement, on m'a ouvert les pages du magazine en publiant les aventures de Jérôme de façon irrégulière, au début, puis mensuellement jusqu'à la fermeture de la revue en 1995.

Avec Jérome Bigras, tu jouais déjà avec les standards de la bande dessinée (cases à l’envers, personnages qui jouent avec les bandes, adresses directes au lecteur), d’où viennent ces idées ?

Je me pose souvent la question suivante: À quoi le lecteur s'attend-t-il le moins à cet endroit précis du récit? J'essaye par la suite de justifier le tout et c'est là que réside la plus grande partie du travail. Ce n'est pas de trouver les idées le plus difficiles, mais plutôt le travail pour les intégrer dans le récit.

Avec au fond du trou, tu vas encore plus loin. Cette fois, il y a un trou qui traverse l’album et qui sert de fil conducteur à l’histoire. N’as-tu pas peur d’aller trop loin ?

J'ai fait mes classes dans un magazine humoristique et j'y ai appris à m'adresser à un lecteur qui n'est pas nécessairement un fin connaisseur de BD mais plutôt un lecteur occasionnel. Et je me suis donner le mandat de lui faire découvrir les possibilités du médium. Évidemment, ça demande un minimum d'effort de sa part, mais, en contre partie, il aura droit à un petit tour de manège qui le sortira du confort de sa lecture traditionnelle.

Garder un trou tout au long des pages d’un album tout en gardant du sens dans l’histoire, à quel point est-ce difficile ?

Honnêtement? Hyper-complexe! Premièrement parce que le trou ne change jamais de place sur la page. Le découpage doit donc se fondre dans cette grille trouée. De plus, comme il y a des trous sur toutes les pages, le scénario doit tenir compte du fait que les trous de gauche mènent aux pages précédentes et ceux de droite aux pages à venir. Dans de telles circonstances, impossible d'intercaler une page, puisque toutes les pages paires deviendraient impaires et inversement.

De plus, l’histoire n’est pas linéaire, puisque des références croisées à d’autres pages sont faites tout au long de l’album. Comment organises-tu ton scénario pour que tout se tienne à la fin ?

Au départ, je savais comment commençait et finissait l'histoire. Après, ça a été des heures de brainstorming à trouver des gags visuels jouant sur la forme du trou ou sur sa signification. Dans un deuxième temps, ça a été d'intégrer ces idées dans le fil de l'histoire et de lancer des perches d'une page à l'autre sans que les lecteurs ne se perdent dans un labyrinthe.

Peux-tu nous parler des difficultés techniques liées à la réalisation de cet album ?

Je me suis lancé dans le vide en prenant pour acquis que la perforation de l'album était un procédé faisable et relativement réaliste. La Pastèque était l'éditeur tout désigné pour ce genre publication hors norme. Grâce à l'imprimeur Gauvin, qui a abordé cet album comme un défi, on a réussi à développer une machine qui permet de perforer l'album et poussant les retailles hors du trou et ce, sans effilocher le papier.  Plusieurs heures de recherche et développement du côté de Gauvin qui ont donné un résultat très satisfaisant.

Penses-tu être allé au plus loin de ce que tu pouvais avec ce concept ?

Il n'y a pas de limites sinon que le nombre de pages que l'on compte faire. Il ne faut pas non plus que l'histoire s'épuise et que les pages ne deviennent qu'une simple succession de pirouettes narratives. Je travaille fort pour que toutes ces astuces soient intégrées et justifiées dans le scénario.

Tu es un des rares auteurs au monde à jouer avec les cases des histoires (Fred en est un autre). Est-ce important pour toi de sortir des sentiers battus ?

Il y a plus d'auteurs qu'on pense qui travaillent en ce sens. Ici comme ailleurs, de Leif Tand à Marc-Antoine Mathieu, et tous de façon bien personnelle.

Sortir des sentiers battus? Je ne sais pas. J'aime profiter de ce que m'offre ce médium et que les autres médiums ne peuvent m'offrir. Capitaliser sur les particularités de la BD. Par exemple, contrairement au cinéma, je peux modifier le format de mes cases, le lecteur peux facilement relire une page précédente si je le lui suggère, je peux profiter du support tridimensionnel de la page (la feuille de papier), etc.

Peux-tu nous parler de tes projets ?

C'est un peu prématuré pour le moment!  Mais très bientôt, j'espère!

Merci beaucoup d’avoir pris du temps pour répondre à nos questions.

Sortie au printemps 2011, Une année en quarantaine est une bande dessinée surprenante et attachante qui suit l’entrée dans la quarantaine de l’alter-ego de son auteur, Claude Auchu. Nouvel acteur de la bande dessinée au Québec, nous l’avons approché pour répondre à quelques questions.

Vous êtes nouveau sur la scène de la BD au Québec, pouvez nous nous faire part de votre parcours?

Je suis natif de Shawinigan. Asthmatique de naissance, l’hiver je jouais peu dehors mais je dessinais beaucoup à la maison. C’est comme ça que mon amour pour la BD à débuté.

Beaucoup plus tard, j’ai obtenu mon diplôme à l’UQAM en design graphique. Après 20 ans de métier fou, ma passion pour la BD fut plus que d’en lire, mais d’en réaliser une. Voilà donc «Une année en quarantaine».

Est-ce une BD autobiographique ?

Oui. 90% de ce qui se retrouve dans ce livre est autobiographique. Le 10% qui reste est le quotidien réinventé. Je ne crois pas que mes prochains projets seront autobiographiques car je souhaite probablement prendre plus de liberté sur l’histoire à choisir et aussi être porté d’un thème à l’autre, d’une époque à l’autre s’il le faut.

Pourquoi aborder le thème du passage de la quarantaine ?

C’est ce que je semblais le mieux connaître au moment où j’ai voulu me lancer dans cette aventure. La notion du temps m’intéresse et dans cette BD qui relate une tranche de vie d’une année, je pouvais la mettre en place.

Aussi, pour une première incursion dans le monde de la BD, je trouvais que de raconter une histoire via des sketches prenant de 1 à 8 pages était moins décourageant.

Pourquoi avoir choisi de le raconter en BD ?

Au-delà de la BD, j’aime le livre. J’aime l’objet. Choisir la BD comme véhicule semblait ce qui était le plus naturel pour moi. Je suis designer graphique, je connais les techniques d’impression, je dessine. Et je pouvais utiliser ce médium à ma façon, le mouler selon ma vision graphique et raconter une histoire en tant qu’auteur.

Votre éditeur n’est pas encore reconnu comme un éditeur de bandes dessinées. Comment s’est passée la relation avec eux pour sortir cet album ?

Très bien. Ils ont cru au projet dès le départ et j’ai eu un coup de foudre pour l’équipe. Je serai toujours reconnaissant aux Intouchables et en particulier à Marie-Ève Jeannotte, l’éditrice. Ils m’ont donné ma première chance.

Aussi, j’avais grandement confiance à leur équipe de relation de presses, Géraldine Zaccardelli et Dominique Spénard. Je jugeais qu’un première BD d’un auteur inconnu aurait besoin d’une bonne couverture médiatique et ils ont fait un boulot remarquable.

Pourquoi avoir choisi la bichromie ?

Cette décision arriva sur le tard, mais je suis très heureux d’avoir fait ce choix. Du début jusqu’à la toute fin, la BD était destiné à être en deux couleurs mais en noir et gris. Pratiquement un noir et blanc, mais plus riche visuellement.

Et lorsque vint le moment de faire la page couverture, qui devait être en couleurs, j’ai demandé à la designer Anne-Marie Clermont de me donner un coup de main. Et notre travail et ses recommandations m’ont amené à refaire complètement le travail des pages intérieures et apporter une touche de couleur vibrante.

Techniquement, cela nous a donné du fil à retordre à Marie Leviel, la graphiste des Intouchables et moi. Mais le jeu en valait la chandelle.

Pouvez-vous nous parler un peu de votre façon de travailler, depuis l’idée jusque la planche finale ?

Que ce soit avec l’histoire, les plans, le dessin… je reviens toujours sur mon travail en cours. Je poli de fois en fois ce que je fais jusqu’à satisfaction. Le travail s’effectue donc par couche. Évidemment avec une certaine structure. Idée, esquisses, recherche d’ambiance, collecte d’images références, découpage, dessins et couleurs.

Les dessins finaux sont réalisés à l’ordinateur. C’est ce que j’ai trouvé de plus naturel pour moi. Bien que j’ai essayé et que j’aurai préféré travailler de façon traditionnelle avec encre, papier et pinceaux, je n’en suis pas capable. Je travaille comme graphiste depuis 20 ans sur un Mac, cet outil est plus performant pour moi.

Quelles sont vos références en termes de BD ?

Je lis beaucoup de BD. Principalement Européennes et Québécoises. Mais un peu de tout. Je suis un fan de la première heure de Hergé, probablement ma plus grande influence. Silence de Comès et Louis Riel de Chester Brown sont de grands classiques dans ma bibliothèque. Et comment ne pas parler de Chris Ware et la qualité extraordinaire de ses livres!

Pouvez-vous nous parler de vos prochains projets ?

Je suis très heureux d’avoir remporté la 2e place au concours de bande-dessinée organisé par Hachette Canada. C’est ma première expérience dans ce concours, je suis vraiment content de faire partie des 6 gagnants. Le lancement de cet album collectif se fera au Salon du livre de Montréal à l’automne prochain.

Si vous deviez vous définir par trois créations artistiques (tous domaines confondus), quelles seraient elles et pourquoi ?

Une seule : Dryden de Serge Lemoyne. Une acrylique sur toile, peinte en 1975. Elle est bleu, blanc, rouge. J’adore son impact graphique et son plan serré. L’artiste s’était donné le défi de peindre tricolore pendant 10 ans et les oeuvres qui en ont résulté sont magnifiques et très créatives.

Merci pour vos réponses et votre patience.

Pour en savoir plus :

http://claudeauchu.com/

http://claudeauchu.com/blog/

Et sur Serge Lemoyne :

http://www.mbam.qc.ca/fr/oeuvres/oeuvre_40.html

http://fr.wikipedia.org/wiki/Serge_Lemoyne

http://www.galeriesimonblais.com/fr/artiste/sergelemoyne/

Bonjour

En marge de ce blogue, j'écris des articles sur les liens entre la bière et la santé pour le trés bon site internet Bières et plaisirs. Le premier est ici:

http://www.bieresetplaisirs.com/nouvelle.php?ID=831

Les auivants sortiront au rythme d'environ un par mois.

Bonne lecture, et n'abusez pas de bonnes choses.

Éric

Conseil du jour: Consommation de Bières en deux mots: Modérée et régulière!!!

Après plusieurs années consacrées à la série « Millénaire », François Miville-Deschênes nous reviens aujourd’hui avec « Reconquête », une collaboration avec Sylvain Runberg sortie récemment chez Lombard. Bien qu’en plein dans la réalisation du tome 2, François Miville-Deschênes a bien voulu poser le crayon pour répondre à nos questions.

La saga Millénaire est maintenant finie. Qu’est-ce que tu as éprouvé quand tu as enfin vu le dernier tome dans le commerce ?

- Hum… honnêtement, je ne regarde pas beaucoup mes albums lorsqu’ils paraissent. D’abord parce que me sautent aux yeux les défauts, erreurs et autres détails déplaisants, puis aussi parce qu’il y a souvent un côté technique de l’objet lui-même qui est moins réussi ou ne me donne pas entière satisfaction (couleurs trop sombres, défauts d’impression ou autres calamités du genre). De plus, lorsque sort un tome, je suis déjà plongé dans le suivant, alors c’est en quelque sorte de l’histoire ancienne.

Qu’est-ce que tu as tiré de cette expérience en général ?

- La satisfaction de perfectionner ma technique de narration visuelle, de même que mon dessin (en l’adaptant progressivement davantage à la BD et en l’éloignant de l’illustration). J’en ai tiré aussi un apprentissage précieux sur les rouages obscurs de ce monde pas toujours merveilleux de la bande dessinée; toutes choses utiles pour mener ma barque sur cette mer houleuse, aujourd’hui et dans le futur.

Tu reviens avec une nouvelle série dans un univers totalement différent. Comment t’es-tu approprié ce nouvel univers ?

- Assez aisément : tous les ingrédients étaient présents pour me faciliter la tâche. On y trouve de grands espaces sauvages, des chevaux et beaucoup d’animaux variés, de l’anatomie en veux-tu en voilà, sans compter les personnages féminins que j’ai toujours du plaisir à dessiner… Du côté documentaire, ma bibliothèque était déjà bien garnie, mais je l’ai enrichie depuis; internet a pu m’aider, mais dans une moindre mesure.

C’est aussi un autre scénariste et un nouvel éditeur. D’où vient cette collaboration ?

- Lorsque mon précédent éditeur a, du jour au lendemain, cessé de payer ses auteurs, j’ai écrit rapidement à sylvain Runberg, qui m’avait déjà contacté dans le passé pour me proposer de collaborer, sans que cela ait été possible. Je lui ai annoncé que le moment était venu et que s’il avait une petite idée de scénario en tête, j’étais tout disposé à plonger. Un court paragraphe résumant le projet fut envoyé à Dupuis et au Lombard. Ce fut ce dernier qui fut le plus rapide et nous eûmes un tapis rouge déroulé le lundi matin alors que la proposition avait été envoyée le vendredi. Nous avons alors entamé un frénétique et fécond ping-pong épistolaire, jusqu’à élaborer les grandes lignes de notre histoire. C’est ainsi que nous fonctionnons depuis et cela me satisfait pleinement, car je m’immisce ainsi dans le scénario sans pour autant devoir y consacrer toute mon attention, ceci pour en venir un jour à réaliser tout le travail moi-même de A à Z (quand ma progéniture qui aura grandi un peu me le permettra).

Au niveau technique, tu es passé à la « couleur directe ». Est-ce un défi de plus dans la réalisation ?

- Pas réellement un défi, je parlerais plutôt d’une grande satisfaction. J’obtiens bien davantage ce que je souhaite et ce qui est offert aux yeux des lecteurs est infiniment plus personnel qu’une mise en couleur informatique faite par un coloriste à distance.

Bien sûr, l’imprimerie ne peut restituer la palette originale avec une fidélité absolue, mais le résultat n’est tout de même pas si éloigné ; je peux me dire très satisfait de ce que Le Lombard à fait : mises côte à côte, les planches originales et les pages de l’album ne sont pas si différentes.

Ce changement me semble accompagné d’un encrage plus léger que celui utilisé pour Millénaire. Est-ce lié à la technique ou au style désiré pour l’album ?

- La « légèreté » de l’encrage provient sans doute du fait que c’est la couleur qui transmet certaines informations visuelles (ombres, zones lumineuses), alors que précédemment elles étaient traduites en hachures d’importance variable. J’ai tout de même délibérément conservé un encrage présent, car j’aurais craint de faire de l’illustration case après case si la couleur avait pris plus d’importance. Je conserve donc un encrage bien perceptible, que je souhaite souple et dynamique, qui me lie encore aux bandes dessinées de mon enfance dont j’ai tant appris.

La série semble être prévue en 4 tomes si j’ai bien compris, peux tu nous parler un peu de ce qui s’en vient ?

- Ah, je ne peux pas dévoiler grand chose. Si ce n’est que notre but avoué, à Sylvain et moi, est que les personnages évoluent et surtout, qu’ils ne soient ni trop noirs ni trop blanc. Comme dans la vie réelle, les circonstances et les événements influenceront leurs actes et leurs décisions. Et évidemment, il y aura du bruit et de la fureur !…

On connaît l’évolution des technologies depuis quelques années, notamment dans le domaine des technologies logicielles et des outils de communication, comment cette évolution affecte ton travail ?

- Elle ne l’affecte que très peu : je travaille à l’ancienne, sur du papier avec de vrais médiums. Mes planches étant plutôt grandes, elles sont expédiées par la poste lorsque j’en ai quelques unes d’accumulées. Les techniques de communications modernes sont surtout pratiques lorsqu’il s’agit d’échanger avec mon acolyte (par courriel), autrement elles m’influencent peu, à ma table à dessin, au fond de mon atelier.

Sur ton blogue, tu as dévoilé quelques mots de ce qui pourrait être ton projet « post-reconquête ». Peux-tu nous en parler un peu, d’autant que tu en serais aussi scénariste ?

- Tout ce que je peux en dire, c’est que l’histoire se déroulerait dans un Québec post-cataclysmique. On y suivrait des enfants évoluant dans un monde où la planète serait aux mains d’extra-terrestres. C’est un peu court, j’en conviens, mais tout est en gestation et rien n’a encore pris de forme définitive. J’ai encore le temps d’y réfléchir…

Merci de nous accorder un peu de ton temps.

- Au plaisir ; revenez quand vous voudrez !

Louis Remillard, l’un des pionniers de la BD au Québec, nous reviens cette année avec un album intitulé Down to the Petawawa. Publié chez Premières Lignes, cet album est un « River movie » poétique qui nous emmène au fil de l’eau dans les paysages grandioses de la nature canadienne. Louis Remillard s’est prêté au jeux de l’entrevue pour nous en dire un peu plus sur son travail.

Qu’est-ce qui vous a donné l’idée de cet l’album « Down on the Petawawa »?

J’ai l’habitude de trimbaler mon carnet à dessin presque partout où je vais, surtout en voyage.  Je n’ai pas changé ma façon d’agir lorsque j’ai effectué cette expédition de canot-camping.  Lors du parcours, à force de dessiner des scènes du voyage, j’ai décidé d’en faire un « road story ».  La majorité du travail s’est fait après l’expédition qui n’a duré qu’une semaine, tandis que la réalisation de l’album s’est échelonnée sur 2 ans.

C’est un deuxième album de « promenade », est-ce un sujet qui vous inspire, ou le moyen de raconter quelque chose?

Les deux.  J’ai toujours aimé voyager et c’est peut-être une conséquence de tous les voyages que j’ai dans le corps que petit à petit cette thématique s’est installée dans le processus de ma création.  C’est une approche que je trouve intéressante pour exprimer la découverte inhérente au voyage tout en y plaçant des messages bien sentis.

Cet album est plus un « accord avec la nature » que Voyage en zone d’exploitation, est-ce pour faire contrepoint avec le ton plus « sombre » de l’album précédent ?

Les deux albums sont des «one shot» et n’ont pas étés conçu en relation l’un avec l’autre.  Néanmoins, ils ont des rapports entres eux : récit de voyage, omniprésences de la nature, références à l’histoire de l’art.  Sous cet aspect, il y a une continuité avec une approche différente.  Peut-être que le contrepoint s’est fait de manière inconsciente mais la motivation du départ était de faire un carnet de voyage sur cette expédition.

Voyage en zone d’exploitation présentait l’exploitation industrielle du territoire. Est-ce que c’est un constat d’échec et peut on envisager l’exploitation des ressources naturelles différemment?

Voyage en zone d’exploitation est un témoignage des tours et retours que j’ai effectué en forêt boréale depuis de nombreuses années et un constat de la réalité telle qu’elle se présente.  À chacun de voir si c’est un échec ou non.  L’accueil qu’a eu l’album donne une réponse sans équivoque à cette question.  L’état de l’environnement est actuellement très préoccupant et la conscience collective qui prend forme lentement est qu’il faut exploiter les ressources naturelles de façon plus responsable.  Malheureusement, des années de saccage pour obtenir un profit immédiat est une mentalité qui ne se change pas du jour au lendemain et la réparation de l’environnement non plus.

Peut-on penser que Voyage en zone d’exploitation est une bande dessinée « engagée »?

Engagée est un bien grand mot, je le qualifierai plutôt de conscientisé

Le graphisme de Voyage en Zone d’Exploitation était extrêmement diversifié, comment avez-vous fait ce choix, et comment sélectionnez-vous le graphisme de chaque case?

Ce choix reposait sur les caractéristiques inhérentes à création de l’ouvrage qui imposait certaines contraintes, tout en mettant de l’avant la recherche et la création.  Pour ce faire, j’ai dû privilégier la variété tant au niveau de la composition que du traitement graphique de chaque case pour éviter la monotonie de représenter une voiture circulant dans le bois successivement à travers 480 vignettes d’affilés.  La sélection du graphisme de chaque case a été fait selon l’inspiration du moment

Vous vous êtes imposés beaucoup de contraintes pour Voyage en zone d’exploitation, comment avez-vous décidé de cette approche et quelles ont été les difficultés à la gérer?

Plusieurs objectifs ont orientés la réalisation de cet album; d’une part faire un portrait de l’utilisation de notre territoire collectif, et d’autre part la création d’une BD expérimentale.  Dans cet ordre d’idée, J’ai utilisé une méthode de travail particulière : comme c’était une histoire sans histoire, je dessinais les vignettes au gré de l’inspiration et je les assemblais dans la page selon les compositions, plans, textures, masses de blanc et noir ainsi que leur contenu narratif.  Je faisais le montage de la page dans son ensemble, un peu comme une peinture.  Cet exercice a été parfois difficile.

Le graphisme de Down on the Petawawa est plus unis que celui de Voyage en zone d’exploitation, Est-ce une volonté de rendre cet album plus fluide que le précédent?

En explorant plusieurs variétés d’esthétique dans Voyage en zone d’exploitation, j’ai touché à toutes sortes de façon de dessiner.  Pour faire Down on the Petawawa, J’ai privilégié celle qui me satisfait le plus tant au niveau de l’exécution que du rendu final.

Vous avez incorporé des clins d’œil à des artistes peintres dans ces deux albums. Pourquoi ce choix et quelle inspiration tirez vous des autres arts pour développer votre activité?

La BD est une part importante dans ma démarche artistique, mais j’ai œuvré pendant plusieurs années en estampe et en peinture.  De plus, je travaille régulièrement aux montages des expositions dans un musée, ce qui me donne une certaine familiarité avec l’art.  J’ai amorcé l’intégration des références à l’histoire de l’art dans Voyage en zone d’exploitation afin d’y ajouter un élément pour éviter la monotonie dû aux contraintes auto-imposées.  J’ai trouvé le jeu intéressant au point de récidiver pour Down on the Petawawa.

Vous semblez aimer dessiner la nature, mais vous dessinez aussi la ville si j’en juge par vos derniers dessins publiés sur votre blogue « estampes et peintures » (http://lremillard.blogspot.com/ ). Peut-on s’attendre un jour à une histoire de voyage urbain?

Tous les sujets sont bons à dessiner et c’est dans ce qui m’entoure que je puise mon inspiration.  Étant un urbain qui aime être dans le bois, je dessine les deux facettes de cette réalité.  Les paysages urbains m’inspirent depuis longtemps mais je n’ai pas de projets narratifs sur ce sujet dans mes cartons pour le moment.

Ça fait maintenant 40 ans que vous faites de la bande dessinée au Québec. Comment percevez-vous l’évolution de la bande dessinée en général et de celle au Québec en particulier?

La BD est en constante évolution, tant au niveau pictural que narratif.  À mon humble avis, c’est l’art le plus dynamique actuellement.  Étant un vétéran presque à l’état de fossile de la BD Québécoise, j’ai pu être témoin de l’évolution fulgurante de ce médium au Québec.  Il faut dire qu’on est parti de loin; lorsque j’ai débuté, il n’existait pratiquement rien, tant au niveau de la création que de l’édition.  Tout était à faire et les gens de ma génération se sont mis à la tâche et je crois que cela a porté fruit, car aujourd’hui la BD Québécoise est en pleine expansion.

Pouvez-vous nous parler un peu de vos projets ?

Je cogite et travaille depuis un certain temps à un projet de fiction historique intitulé le retour de l’Iroquois.  Ce récit sera un roman graphique basé sur des faits historiques qui se sont déroulés au Québec et dans l’état de New York à l’époque de la Nouvelle France.  Approche nouvelle dans ma démarche artistique mais en continuité avec mes deux précédents ouvrages, car il relate le voyage d’un Iroquois prisonnier des Français et libéré par ceux-ci afin de proposer une paix avec son peuple.  Donc, un autre « road story » dans lequel le voyage compte plus que la destination et fera vivre au lecteur le quotidien du personnage, mais aussi ses pensées et souvenirs qu’il ne manquera pas d’avoir tout au long de son périple solitaire au sein de l’Amérique du nord du XVIIe siècle.

Par ailleurs, suite à mes expériences muséales, j’ai réalisé quelques planches sur le sujet et à temps perdus et j’en produits de nouvelles à l’occasion.  Un jour, peut-être, j’en ferai une compilation qui aboutira à un album intitulé Annales Muséales.  Ce projet est délicat et n’est pas prioritaire en ce moment préférant porter mon attention sur l’Iroquois.

Des extraits de ces deux projets peuvent être consultés sur mon blog : http://louisremillard.blogspot.com/

Merci beaucoup pour cette entrevue.